En conversaciones con Rising Star: SAFFELL

Saffell se está convirtiendo rápidamente en una estrella por derecho propio. No es el cantante y compositor promedio, Saffell está teniendo un gran año entre el lanzamiento de su nuevo álbum, "Lay It On the Line", así como el épico nuevo video de "Be the Love You Need". Proveniente de San Franscisco, su música se entrelaza con su voz audaz y sentimental que da vida a su música y a su historia. Nos sentamos con Saffell a principios de este verano mientras nos sumergimos en su lanzamiento más reciente y más allá.

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1. ¿Cuál es la inspiración detrás del sencillo y título "Lay It On the Line"?

La inspiración para "Lay It On The Line" fue de mi decisión hace 2 años de dejar todo y enfocarme en construir un estudio y grabar mi propio álbum. Estaba aterrorizado de dejar ir a mi banda y dejar de reservar conciertos. Pero me encontré en una encrucijada donde ya no podía seguir buscando música de la misma manera que lo había hecho durante años. Había estado de gira, grabando y promocionando con una banda durante muchos años, y ahora iba a ir en una dirección completamente nueva. Me estaba arriesgando al reenfocar completamente cómo estaba haciendo música. Iba a invertir mucho tiempo, energía y el dinero que tenía para hacer este álbum. Iba a ponerlo en la línea, por así decirlo. También era hora de que abandonara los viejos patrones habituales de diálogo interno negativo y que abandonara las viejas historias que había estado llevando. Esta canción es sobre ese período de tiempo en mi vida musical y personal cuando decidí "tomar un largo minuto para encontrar el ritmo correcto, recuperar el ritmo para recuperar mi vida".

2. ¿Qué te hizo descubrir tu pasión por crear una mezcla ecléctica de tu propio sonido?

Me inspiraron otras bandas como Sylvan Esso. Utilizan la producción electrónica, pero el canto y la letra eran tan emotivos y tenían tanta profundidad que se sentía más como un cantautor. Además, escuchar al artista Jack Garratt fue inspirador. Estaba usando la producción electrónica pero era conmovedora y tenía una especie de determinación. Comencé a darme cuenta de que usar sintetizadores y muestras de batería no significaba necesariamente que estuvieras haciendo pop cursi y superficial. Y sentí curiosidad por mezclar sintetizadores y baterías programadas con riffs de Rhodes que suenan conmovedores y otros sonidos más tradicionales como un piano de cola real. Y cuando descubrí el aspecto del diseño de sonido de la producción de música electrónica, me quedé impresionado. La complejidad de diseñar sus propios parches de sintetizador y todas las formas en que puede manipular sonidos con hardware y complementos, parecía que las posibilidades eran infinitas.

3. ¿Qué lugares de tu mente canalizas para crear tus canciones?

El perfeccionista en mí definitivamente sale cuando estoy creando una canción. Puedo ser muy crítico conmigo mismo y obtener detalles muy orientados. Pero eso es más hacia el final del proceso. Al principio, mi objetivo no es tener demasiado en mente, sino ser juguetón y aventurero, más como un niño jugaría, usando el instinto y la improvisación natural. Creo que puedes sentir cuando una canción te atraviesa en lugar de cuando tratas de forzarla con tu mente y ser inteligente. Este último no tiende a producir las mejores canciones para mí. Sé que suena un poco cliché decir: "Solo dejo que la música fluya a través de mí". Pero la verdad es que de ahí viene lo bueno. Para mí, la mente es más útil cuando llega el momento de editar. Eso probablemente sea demasiado simplificado, pero cercano.

4. ¿Cuáles son tus lugares favoritos para presentarte? y si tuviera que elegir, ¿se siente más cómodo en el estudio o en el escenario y por qué?

Los festivales diurnos son mi lugar favorito para actuar. Sería una decisión difícil si tuviera que elegir solo una. Probablemente elegiría el escenario porque allí es donde me siento menos cómodo, así es donde tendría la oportunidad de crecer más. Para ser sincero, siento diversos niveles de incomodidad en ambos lugares. Pero creo que la actuación en vivo en el escenario requiere más coraje, y cuando hace clic entre el público y el artista no hay nada parecido.

5. ¿Cómo creas tus canciones? ¿Cómo es el proceso? ¿Te lleva días, semanas, incluso más?

¿Cómo se une la pieza perfecta? Mi composición de canciones generalmente comienza con una sesión de improvisación con solo yo y las teclas, ya sea Rhodes o un piano, pero ahora que la reproducción en vivo es una gran parte de mi proceso creativo, podría comenzar con una parte de sintetizador en bucle en vivo, pero generalmente la primera. Me meto en probar cosas diferentes con mi mano izquierda creando el bajo y mi mano derecha riffing hasta que encuentro una progresión de acordes, melodía o groove que me golpea. Siempre tengo a mano una pequeña grabadora de voz que puede comenzar a grabar con solo tocar un botón y allí reúno pequeños fragmentos de ideas. Podría tener de 3 a 6 canciones que comienzan allí a la vez, cada una con diferentes grados de competencia. Vuelvo a ellos y construyo sobre ellos. Empiezo a cantar improvisado sobre progresiones de acordes siendo aventurero con fraseo y sincronización, las letras son solo una corriente de conciencia en las primeras etapas. Nuevamente, grabo en la pequeña grabadora de voz a medida que la pieza evoluciona y captura cualquier fragmento que se sienta jugoso. Finalmente, un coro o verso toma forma y empiezo a construir sobre él. A veces vuelvo y sigo con la misma pequeña frase durante semanas antes de que aparezca algo digno de agregar. Llegan muchas ideas diferentes y pruebo cosas diferentes, pero muchas de ellas no me sorprenden y se desprenden. A veces las siguientes piezas llegan muy rápido, un puente, un outro, etc. Hacia el final de este proceso, se vuelve menos improvisador y más sobre edición y elaboración. Saco un cuaderno y empiezo a juntar las letras que me gustaron de las sesiones grabadas de improvisación vocal. Muchas veces, algo que canté en la parte superior de mi cabeza termina siendo la letra que uso, a veces reemplazo la mayor parte de la improvisación lírica pero mantengo la idea de fraseo y melódica y escribo nuevas letras. Durante este tiempo, estoy pensando "¿De qué se trata esta canción?", Si aún no estaba claro cuándo germinó la semilla de la canción. Comienzo a ser más crítico y siempre estoy grabando y escuchando después de reproducir lo que tengo hasta ahora. Es fácil escuchar al día siguiente con nuevos oídos y decir de inmediato qué ideas están funcionando, cuáles son cuestionables y cuáles pueden descartarse. Para mí, una canción debería poder soportar solo mi voz y un piano sin ninguna producción adicional. Por lo tanto, se mantiene así hasta que se termina la canción, por lo general no empiezo a agregar producción adicional hasta que se termina la estructura principal de la canción y puedo tocarla en vivo solo con un piano y sentirme satisfecho. Aunque, no hay reglas y han habido muchas variaciones a todo lo que acabo de decir. Sigo la canción, ¿suena bien? ¿No? Entonces sigue trabajando. A veces lleva un par de días, a veces meses.

6. ¿Cómo creaste un sonido a lo largo del tiempo que es tan exclusivamente tuyo? ¿Qué te define tu sonido?

Creo que este sonido ha estado en proceso durante bastante tiempo. Hasta hace un par de años, siempre me había acercado a la música escribiendo canciones y luego tratando de formar una banda para salir y tocar esas canciones. Mis instrumentos eran piano, Rhodes y quizás un sonido de órgano B3. La banda era principalmente un trío conmigo mismo, bajo y batería y luego agregamos una guitarra eléctrica. Era un sonido funky, conmovedor, con una arrogancia y una actitud y las letras en el centro. Me encantaron las bandas de rock como las puertas cuando era más joven, pero también escuché hip hop como A Tribe Called Quest y usé mi álbum de Paul Simon, "Rhythm Of The Saints", donde me involucré con diferentes síncopas rítmicas utilizando múltiples instrumentos de percusión. Todo esto informó cómo tocaba las teclas y cantaba mis letras. Luego pasé por un período hace aproximadamente 2 años donde necesitaba dejar la banda y explorar la vida como solista. Esto me llevó al bucle en vivo que me llevó al sintetizador Microkorg, que era una droga de entrada y provocó un nuevo amor por los sintetizadores. Después de ahorrar pude equipar mi estudio con un Juno 6 y un Moog sub 37. Como mencioné, también disfruté de artistas como Jack Garratt que combinaban la producción de música electrónica con la composición conmovedora. Así que a medida que avancé más y más en la investigación de las muchas formas en que se usa la producción de música electrónica, aún conservé mi amor por un riff funky de Rhodes y por el aumento vertiginoso de un órgano B3. Entonces comencé a mezclar todos estos ingredientes juntos. Lo que no ves son todos los intentos fallidos. Intenté muchas cosas que fallaron muchas veces. Básicamente, seguí mi gusto hasta que el ritmo se sintió bien y el estado de ánimo me golpeó como lo sentí la primera vez que escribí la canción. Para mí, mi sonido es sobre groove y letras y, sobre todo, sobre la canción.

7. Este año se perfila como un gran año musical para ti. ¿Qué esperas lograr a medida que avanzamos en 2019?

Espero que este álbum se conecte con un público más amplio. Como cualquier músico en estos días, me gustaría tener una presencia más fuerte en Spotify. Y me encantaría que estas canciones conmuevan a las personas de la misma manera que muchas canciones geniales me han conmovido. Para ser honesto, mi objetivo principal es divertirme más, si estoy en el escenario o en el estudio, si tengo 100 o 100,000 fanáticos. Porque no puedo controlar cómo responderán las personas a mi música, pero puedo controlar cómo respondo a lo que sucede en mi vida. Me gustaría sentirme realmente cómodo en mi propia piel, independientemente del nivel de éxito que alcance o no alcance, para mí, eso sería un logro real. Es más fácil decirlo que hacerlo y definitivamente todavía soy un trabajo en progreso.