Prometeo de Scriabin
Se dice que Scriabin pensó de Prometeo como el mismo carácter que Lucifer, el arcángel caído que se negó a someterse a Dios y por lo tanto, fue expulsado del cielo. Con esto, Prometeo fue arrojado a la tierra, sino en su descenso, fue atacado como la estrella de la mañana o Venus. Esta es quizás la razón de los trinos de baja y alta cadena al principio y hacia el final de la pieza. El cromatismo subiendo y bajando en las cadenas más probable es que tiene que ver con el movimiento ascendente y descendente que Prometeo, la estrella de Venus viaja.
Después de examinar la metafísica combinados con el lenguaje musical que no había sido descubierto antes de 1910, Scriabin se aventuró a decir que no había diferencia entre la melodía y la armonía. Sostiene que son uno y el mismo. En este carácter atonal, que se nutre de las armonías eery que son simples. Scriabin razonó que él no quería tener lo que llamó notas desperdiciados para inundar de su pieza paisaje musical. Se ha limitado su personaje, Prometeo, con seis tonos A, B, C #, C #, C #, y G. Se organiza el edificio de estos lanzamientos en su famosa estructura de acordes sintética de cuartas, aumentada, disminuida y perfecto. Para un análisis más detallado, que tiene un acorde místico Promethean, también llamado el Ur-acordes que se utiliza de vez en cuando a través de las texturas en esta música. La armonía sintética había entrado en su vocabulario armónico tan temprano como en 1903, cuando terminó su cuarto concierto para piano, Opus 30.
Lo que sorprende cuando nos fijamos en las obras orquestales de Scriabin, especialmente Prometeo, es el hecho de que fue muy rara vez realizado y poco entendido, pero podría ser la obra más conocida del compositor en su vida. Se puede haber entendido mal sólo porque lenguaje atonal todavía no había tenido su cubierta reveló por completo hasta la década de 1920 y la escritura parte de Schoenberg. Esta pieza, programada originalmente para una gran orquesta (según los estándares de la época), contó con un coro opcional y el piano, que eran instrumentos extraños para una obra orquestal. Esta pieza es el más famoso por combinar, por primera vez, los aspectos de la música y la luz. Aunque, Scriabin necesitaba un personaje y una historia para retratar esta música y la luz y eligió Prometeo, el supuesto padre del sol para este colorido retrato.
Otra cualidad interesante de este trabajo es el uso del órgano de color. A lo largo de la pieza, se le pide al órgano para tocar notas que alteran la que se llevan a cabo continuamente a medida que un avión no tripulado en torno al cual otros elementos de la orquesta de viaje. Scriabin impulsó profesor de ingeniería eléctrica, Alexander Mozer inventar el instrumento que operaba a través de una red de interruptores eléctricos giratorios (las teclas deprimidos) para perpetuar la luz del color apropiado cuando se sincroniza con la música orquestal.
Prometeo también utiliza la escala de color famosa de Scriabin derivado del círculo de quintas. Cada parcela debe tener también la distinción de ser titulado además de ser designado en la carta. Por ejemplo, el paso de C o "Will", como se titula es de color rojo. El ir a la derecha, G o "juego creativo" es de color naranja. La nota D o "Alegría" es de color amarillo. La nota A o "materia" es de color verde. E o "Sueños" es de color azul cielo. B o C-plana titulado "Contemplación" es de color nacarado azul. F # o G-plano ( "creatividad") es de color azul brillante o violeta. Re bemol o C # ( "voluntad del espíritu creativo" es de color violeta o morado. La bemol es violeta o lila. Bemol, también conocida como "La humanidad" es de color carne. Bemol es color de rosa para "Lust o la pasión. "F es un rojo intenso.
Para ampliar el alcance sinestésica de la pieza el coro opcional se puede oír entre los números de ensayo 47 y 53 y en los últimos 12 medidas de la pieza, cantando la vocal E, irradiando una luz violeta, una A (luz de acero-violeta) y " O "que inicia una luz roja veces blanco nacarado, en función de la variación del terreno de juego. El zumbido coral suave en los últimos 10 medidas de la pieza inicia un color azul perlado, el color de la luz de la luna.
En total, hay 18 motivos diferentes repartidos por toda la pieza. El primer motivo populares aparece en medida con las notas de F #, D #, G, (luego repetir) F #, D #, G. Entonces, para completar el primer motivo Scriabin toma la repetida F # hasta una cuarta ascendente B, después de bemol, G, F # y G # antes va a la segunda motivo. lo especial aquí es el uso de la cuarta ascendente. Es parte de su acorde místico. El segundo motivo de los instrumentos graves consistiría en A, C, D-plana, A, C, D-natural. Lo que es interesante acerca de este motivo es que varía el último paso de la última serie de tres lanzamientos. El oído esperaría oír el D-plano en la repetición de la serie. Por lo tanto el oído sería recoger esto y prestar especial atención a su dirección.
De acuerdo con la música de Alexander Scriabin, el motivo que se sugiere en el casi nunca viene alrededor como un motivo melódico consistente, pero los otros motivos como el F #, D #, G motivo están todos presentes, pintado en diferentes partes a lo largo de la pieza. Sin embargo, los subconjuntos de la figura etiquetados 6-34 en el libro (G, D #, A, C #, G, C #, C #, G) están presentes en la melodía y la armonía. Estos campos de hacerse eco de las primeras observaciones del motivo Prometeo. En un primer análisis, me llevan a decir que el uso de la repetición de motivos melódicos, sutiles o no, será utilizado en varias ocasiones y por lo tanto no se "desperdicia, sino un compositor siempre se puede variar los motivos en diferentes formas, por lo que no se desperdicien. En de hecho, muchas de las notas de este motivo se lanzó casi en su totalidad en cuartos que componen acorde místico de Scriabin.
Otros motivos a lo largo de la pieza incluyen el motivo colocado en el registro grave de los cuernos en medidas 5-11. La melodía de esta sección contiene notas repite (por ejemplo, las repetidas F # 's) y tipo enarmónicos de la armonía (F doble sostenido). La melodía completa es: F #, F #, G, A #, F-doble sostenido, G #, F #, D #. Observe que el extremo de la cola de esta melodía comienza el primero de los 18 motivos diferentes que se utilizan en toda la pieza.
Otros motivos incluyen la repetición en diferentes secuencias de la F #, D #, G motivo de los instrumentos de madera, en particular las líneas que comienzan en solitario D # en los oboes. El motivo A, C, D-plana comienza en cascada a través del oboe y flautas uno y dos de una forma de solistas y luego se lleva al bronce. En el compás 21, hay una pila de cuartos (G, C, F) encima de la variación de G, D #, A, C # motivo que se encuentran antes, pero ahora es de otra forma en el latón bajo y cuerdas. Este es otro ejemplo del motivo mística. En las medidas 23 y 24, las formas de otro motivo (A #, G, B, C, F) se utilizan en la medida en la misma forma que el primer motivo, pero son seguidos por cromática ascendente florece en el oboe, mientras que los tonos más bajos de este motivo se reproducen b del Cuerno Inglés. En la medida 26, la familiaridad de los dos motivos se anula por completo por un nuevo motivo se inició en el registro inferior de la flauta (F #, F #, G, A #). El resto de este motivo parece estar llevando algunas de las características de los dos motivos anteriores, ya que se mueve a G, y luego a a #, a F doble agudo, a los primeros pasos de la primera motivo importante en la pieza, F # y D #. la tercera flauta tiene parte de la melodía de la segunda motivo, a continuación, sostiene a cabo en un G.
Según Baker, dice que esta ocurrencia de los motivos es bastante diferente de las utilizadas anteriormente en la pieza. No estoy de acuerdo. Él está tomando varios campos de fútbol o conjuntos de tono de los dos motivos anteriores y colocarlos en diferentes apariencias o formas. Esto podría muy bien ser un tema nuevo derivado de material pasado o en el final del último tema de la pieza, lo que indica un nuevo tema. Hasta medida 53, el mismo material motívica se manifiesta en diversas formas, haciendo eco a lo largo de la orquesta en un tempo que suena de flujo libre sin pulso rítmico innata para guiarla.
El siguiente material de nuevo entra en juego con el piano golpeando fusas a partir de D con la siguiente melodía (D, G #, A-doble sostenido, C #, A #, E #, F-doble sostenido, C #, A #). Harp les responde con este material (C-plana, F, G, D-plana, bemol). La mayor parte del resto de la orquesta responde al cuadro de diálogo que el arpa y piano han comenzado todo el camino a través del resto de los números de ensayo dos y tres hasta que consigamos un plazo de siete medidas de comenzar el ensayo número cuatro en el que el ritmo en el piano es hora XVI-octavo combinaciones con gran parte de la orquesta siguientes su ventaja . el efecto global de toda la sección es toques de color que fluye libremente por todas partes en el marcador. Definitivamente puedo ver una similitud entre esto y lo Berg y Webern estaban haciendo. Eran escribir música colorido por el momento, pero fue con Scriabin que la idea de crear el color en la música atonal nació.
En las medidas finales de la pieza, Scriabin evita todas las combinaciones salvajes octavo XVI, la acción triplete y sextillas en las cuerdas más graves, los trémolos rápidos en las cuerdas y toma de la embocadura en los instrumentos de viento, y el resplandor negrita de los cuernos, a una conclusión de notas enteras y medias. En cierto sentido, todos los adornos de color de apoderarse de seis medidas más o menos antes del final para revelar crudeza. Las parcelas que terminan dejan tonos agudos de azul brillante, violeta, y se levantaron en la mente de Scriabin. En mi mente los colores son algo diferentes. Yo comparo este tipo de música a la pintura de un brillante, hermoso lienzo. Esta pieza musical es probablemente una de las presentaciones más bellas y provocativas pensadas de un compositor que utiliza la oreja para pintar un cuadro como ninguna otra en el mundo de la música atonal.
