Aaron Copland: una breve biografía

La vida de Aaron Copland (que he encontrado) es muy inspiradora con la amplia variedad de estilos que ha experimentado con lo largo de su larga carrera. Después de hacer un papel similar para nuestras tareas de escucha semanales, me encontré con una mezcla de ritmos y figuras melódicas de los muchos compositores diferentes que habíamos estudiado antes de él. Es realmente una maravilla si había oído y estudiado las obras de aquellos otros compositores, si sus profesores habían oído y estudiado, o si, con todos los viajes que los compositores estaban haciendo, el espíritu era sólo en el aire. Sería bueno pensar que este último.   Estoy asumiendo que al igual que nosotros, en esta generación moderna recoger en las noticias de todo el mundo, los compositores de vuelta en el día 18, siglos 19 y 20 se enteraron de la música de los tiempos a través de sus propios medios. Independientemente del método que se enteraron de estas técnicas de composición, la música resultante resulta ser un creador de tendencias de la cultura y un placer escuchar a varios años más tarde.

Lo que me llamó la atención durante la compilación de la investigación para este papel, fue la forma Copland pensó en sus obras, en especial a su propia crítica de su piano Fantasía, compuestas entre los años 1955 y 1957. Citando el trabajo como t simplemente una secuencia de eventos no relacionados espontáneas entre sí y, en gran medida un conocimiento de estructuras coherentes, mientras que la realización de las distintas partes del conjunto y las partes que juegan añadiendo a toda la ejecución de la obra. Lo que quiere decir que el material un tanto sin relación podría trabajado juntos para culminar en una pieza coherente de muchas estructuras no convencionales.

Otro punto asombroso que Copland hace aparecer más tarde en sus notas es que un compositor que asume la posición estereotipada de ser un mero "doce tóner", en especial en su día de la modernidad es bastante pasado de moda. Creo que es importante para un compositor que tiene secciones de consonancia con los episodios de la disonancia de buen gusto. Subrayo la disonancia buen gusto, porque yo creo que la disonancia en el estilo de Schoenberg (es decir, escribir piezas con ningún oído asociado) serían demasiado doloroso para el oído creativo. Desde el artículo que he encontrado en Copland, el crítico, el compositor probablemente estaría de acuerdo. Su música mostraría este acuerdo porque su distinta   estilo de consonancias combinados con pasajes bastante incierto cromáticas disonantes, (como en el famoso "Appalachian Spring"). Es simplemente hermoso forma en que trata las cuerdas en ese cuarteto alta entre los movimientos inspirados de consonantes, como la danza de la novia, y la melodía basada en la canción Shaker.

Otra interesante crítica del compositor es que él realmente no le gusta ser estereotipado como un proveedor de Americana. El compositor insiste en que él no es más que un compositor de la música absoluta. No oye que su música, en modo alguno, evoca popular popular u otros materiales de la cultura pop. Afirma estar escribiendo llano, seria, la música. Me parece sorprendente porque mientras él niega el hecho de evocar los modismos populares en su música, el movimiento de la coctelera en Appalachian Spring evoca la música de los Shakers. La música de la coctelera es la música "popular" de su tiempo y de su cultura única. Aaron Copland es ser un sintetizador de este tipo de música, la promoción de ciertos sonidos que se toma por la música que él estudió en París y América. Él realmente es un compositor cultivado que tiene la capacidad para absorber lo que se iniciaría una discusión separada sobre la cuestión de lo que es la música popular. No tengo el espacio para comentar sobre eso en este trabajo de investigación particular. Tal vez sería más apropiado para discutir este tema en un próximo libro sobre el significado o la definición de la música americana.

Siendo un fan de la biografía y autobiografías, me resulta tan interesante para la investigación de estos compositores, especialmente los que están en el comienzo de la cultura musical americana. Este artículo se mira un momento en que simplemente se están definiendo la cultura estadounidense y la música y en su infancia.

Sus primeros trabajos

Siempre me parece interesante para la investigación de esas obras (preferiblemente en el comienzo de su carrera) que no recibió tanta atención o no son tan famoso como sus otras obras. La investigación de estas obras son siempre más difícil de conseguir, pero el descubrimiento de los detalles de estas obras es una experiencia gratificante. A medida que continuamos en nuestro estudio del genio de Copland, se encuentra que la mayor parte de su producción que sale de sus estudios en París incluyen varios ejemplos primeras obras de piano y canto siglo 20 (el primero de los cuales se relacionarían con sus variaciones posteriores de piano y en última instancia su mitad de carrera Fantasía para piano).

Al escuchar los acordes de Appalachian Spring de Aaron Copland, me ha sorprendido por las armonías abiertas de quintos y segundos. Por ejemplo, cuando Copland inicia por primera vez la pieza, que comienza en un unísono A en las cuerdas. Entonces, él tiene el clarinete y la flauta que juega la tercera y la quinta del acorde, el do sostenido y E. A partir de ahí, las cadenas de ir a jugar el noveno y undécimo de la cuerda para formar la tonalidad A, do sostenido, E, G-agudo. En los próximos dos bares, añade una nota más a la tonalidad, el B (el noveno). La textura cadena cesa seguido por el arpa arrancando una cadena en la nota A. Las cadenas comienzan de nuevo en la C-agudo justo encima de la mitad C. Las cadenas de construir el agradable Un noveno sonoridad de nuevo con el sol sostenido en el primer violín. Entonces, él tiene el cuerno Inglés y el oboe llegado al final del acorde de ir a un agradable, acorde D brillante. El acorde D se transforma en D, F #, A, C #, y un D nueve acorde. Esta es una armonía que, hasta ahora, no he oí emparejados entre sí de cualquier otra obra de concierto que he estudiado. Por lo tanto, es el comienzo de una impresionante, nuevo sonido.

La textura y luego repite los mismos gestos armónicos, sólo se detuvo una vez más para tener la totalidad del movimiento como había comenzado, en un unísono A en las cuerdas con el relleno de clarinete en el tercero y el quinto. Es tan sólo la luz, colorido, abierto, y poco a poco fluida, como la de un arroyo de movimiento lento. Personalmente me hace sentir que estoy allí, en un bosque lejano, en el arroyo de simplemente sentarse y escuchar a la lenta caída del agua, teniendo en el cielo azul. Sólo escuchar esta pieza y escribir mi propia descripción de lo que me relaja. Hay un pensamiento fugaz en mi mente sobre esta pieza como podría ser comparado con la Sinfonía Pastoral de Beethoven. Todo ese aspecto de estar sentado por un bosque, arroyo, o un arroyo, reflexión, contemplación de la naturaleza, escuchando el mundo que nos rodea - nos hace parar un momento de nuestras vidas ocupadas y disfrutar de una onza de la naturaleza, en la música o en el arte, que llamo la verdadera riqueza. Al escuchar las armonías, pensé, "Esto es así con visión de futuro y demostrativo en el lenguaje tonal que cualquier cosa que he oído antes." Del mismo modo que pensé que la belleza era más, el movimiento a lo largo de dos vino. El Allegro con cadenas de bronce y marchando triunfantes sincopados por el auge de un timbales sintonizado a C, y el sonido metálico brillante del piano al unísono con las cadenas, es simplemente un asunto emocionante e impresionante.

Entonces, hay una melodía comenzó a cabo por las flautas y el bronce que fue escrito casi en su totalidad en cuartos. Por ejemplo, el bronce comienzan: C, F, si bemol, C, F, si bemol, C, F, si bemol, F, C, F, mientras los timbales afinados a C, sincopada la textura en un 7 / 8 metros. Los oficios textura off entre el bronce en una figura y los instrumentos de viento y cuerda en una versión más suave de este ritmo y la melodía llevado a una tonalidad centrado en si bemol. La textura y luego va y viene entre el two.Then la textura de repente modula a una tonalidad centrada-F, a una importante 7ª bemol, de do mayor, de gran 7ª bemol, a C, y luego de vuelta a F . las cadenas en esta sección están en el medio de sus áreas de distribución con una melancólica melodía que evoca mi oído de nuevo a algo que yo juré que he oído antes (C, M, si bemol, a, G ..). La flauta tiene una melodía cantabile escala similar a la de una por encima de la clave de sol hacia el espacio C en la clave de sol seguido de un patrón de repetición de los tercios (F, F, A, F), mientras que las cadenas continúan su melodía. Ahí van los tonos en cuartos que parecen tan prominente largo de este trabajo. Todavía estoy tratando de averiguar qué otro compositor tenía un conjunto similar de gestos armónicos que está presente en esta sección. ¿Era Stravinski? Fue Rachmaninov? Realmente no puedo recordar.

La textura FB-flat-FC se desvanece en el tercer movimiento con un gesto de ida y vuelta entre la flauta y el clarinete, y el oboe. Mientras que las cadenas están jugando su último acorde de F para finalizar la sección, la flauta, el clarinete y el oboe comienzan a tocar notas que son comunes en la mayor, contra el F (A, E, A, C #, A...).   Este gesto lúdico se desliza de nuevo en un moderato ligeramente sincopado, donde el cuerno Inglés, el oboe y el clarinete suenan acordes sucesivos si bemol mayor (1, y, 2, 3, 1, y 2, 3...) Y suena la siguiente la tonalidad (A bemol, Si bemol /, sol menor, fa menor). A continuación, se remonta al ritmo sincopado en si bemol. Los instrumentos de viento mantienen y se apaguen con un ligero gesto duetting por el primer y segundo clarinete (si bemol, A, M, D, C, C #).

En el turno de C #, la textura se desliza a Fa # agudo cromáticamente colorear el paisaje a medida que avanza (melodía: C #, B, E, C #). Después de un momento incierto del cromatismo,   la textura se adelgaza para mostrar el clarinete y el oboe (D #, C #, A #, D #).   La textura se detiene. A continuación, las cadenas empiezan de nuevo con una tonalidad de C # con la melodía (M, A, G #, F, pausa,   F, A, G #, F, E, D, F.. .). Por ahora, las cuerdas están jugando la melodía y la armonía juntos en un cuarteto de cuerda muy bien cromática. Después de esta hermosa segeway cromática, los instrumentos de viento se hacen cargo con una melodía anterior (C #, D, C #, C #), con una sola nota alterado a partir del material melódico anterior. Las cadenas de acabar con la textura adagietto en un acorde B. A continuación, los instrumentos de madera se rompen en una melodía en lugar de saltos en mi mayor, entonces la modulación a F # y en última instancia a una tonalidad mayor (A, D, G, A en el lenguaje de cuerdas). A continuación, la textura continúa esta textura marcha-como en las tonalidades mayores y cerca E con el piano ahora unirse a la diversión, con un alto alcance adornos melódicos en las flautas. Esto culmina en un gesto lento en Mi mayor.

En el movimiento de cinco, Allegro, "Dance of the Bride", la textura comienza con latón, cuerdas y piano arrancando notas staccato en fragmentos de la melodía, en la figura, lo que significa   la novia se está levantando para bailar. Como las notas y frases fragmentadas se vuelven más unificado, una animada celebración se lleva a cabo entre las cadenas de latón, y acamparon percusión se unen de una forma rápida 3/4 metros. Después de unos dos minutos de la danza vivaz, la textura de la novia se cierra con el mismo material de entrada fragmentada que antes de la danza comenzó, lo que indica que la novia ha tenido su baile y ahora toma su asiento.

El final de la textura de la novia le pide al comienzo de estas hermosas texturas violín, ese sonido como si un violín solo es en la parte superior de los segundos violines en un dúo o divisi.

En el movimiento siete, el tema basado en una canción agitador, un viaje mágico se lleva a cabo como una bella melodía de partida agitador en la bemol en las altas flautas y piccolo decora el silencio. Más instrumentos como el oboe se unen en cuando la melodía modula a G-plana. Luego, después de unos momentos las violas se hacen eco de lo que los instrumentos de viento acaban de jugar de la melodía de la coctelera, sólo que esta vez usando disminución (probablemente tocando notas medias). Esta melodía de la viola está decorado además por un florecimiento de la actividad de viento de madera y materiales de soporte de percusión lanzadas. Parece que usted está tomando una caminata o un paseo a través del país hasta el bronce entrar con la melodía de la coctelera (C, C, D, E, C, E, F, G, G, F, E, D, D , e, e, D, e, D, B, G...) en la clave de C. Esta es recibido por las cuerdas prospere salvaje de la materia cromática y melódico. Luego, en un último suspiro, toda la orquesta toca la melodía agitador en todo su esplendor a la mitad el ritmo de juego original para dar énfasis.

En el movimiento final, las cuerdas se embarcan en un segundo cuarteto en los acordes (G, G-7, C, E, D minor, G, G-7, C, E menor, F, G, G minor La bemol mayor) en una especie cordal de la exploración. Esto es seguido por una melodía flauta melancolía acompañada de cuerdas. La melodía de las cuerdas parece notablemente similar a la F, F / Si bemol, C, F progresión que nos encontramos antes. Esta estructura termina con el sonido de las vibraciones. La nota final terminan en las vibras es un G. Es allí que la pieza ha terminado, agradable y tranquilo, después de un viaje tan interesante. Realmente es un ejemplo de algo nuevo para escribir en el lenguaje tonal sin dejar de mantener la atención del público. Hay disonancias en la pieza, pero se hacen muy buen gusto. Esta y la siguiente pieza, son algunos de los más bellos dentro del repertorio del siglo 20.

El Salón de México

Al escuchar de Copland El Salón de México, me llamó la atención la gran cantidad de ritmos únicos, los broches de presión del sombrero mexicano Dance-esque de la caja, el arrastre de vez en cuando del ritmo seguido por las mini accelerandos para encajar el ritmo de nuevo en su tempo allegro fue particularmente interesante, el bronce de buen gusto y cuerdas que acompañan a una cifra similar. La parte melódica de esta pieza se inicia con los repetidos grandes tríadas G en ese ritmo mexicana familiar. Esto es seguido por el clarinete y el oboe negociación fuera tercios alterados en la tonalidad G, la tercera mayor y menor, B y B-plana. A continuación, el timbal comienza el ritmo y la melodía sincopada B, B, A, B, D, D, D, C, D, F, E, E, D, E, G, F #, E, D.   Una variación de esta melodía sigue a continuación, en un estilo de danza mexicana. Por ejemplo, la melodía en esta sección va G, G, G, B, A, G, A, A, C, F #, F #, F #, A, G, F #, G, G, B, B, G, E , e, D #, e, F #, G, G, F #, G, F #, e, D #, e, F #, D, B en el primer violín y viola. El segundo violín es las cuerdas instrument.The duetting luego copiar esta melodía en su misma dúo con latón añadido en la tonalidad de Do mayor.

A continuación, la tonalidad cambia de nuevo a Sol mayor. Una selección de cada tipo de instrumento en la orquesta juegan un sincopado frase interesante que cambia las claves de Sol mayor a una orientación A-plana y luego si bemol. Después de momentos de descansando en si bemol y F acordes, la textura modula brevemente a Do mayor y repite la segunda melodía principal de la pieza (C, C, C, E, D, C, D, D, F...) . A continuación, la textura adquiere una postura más lenta con una Ravel-esque C # mayor pasaje. Esto es seguido por voces similares en F # mayor. Una modulación de Re mayor y luego de vuelta a F # mayor adelgaza la textura de mostrar un alto clarinete y un instrumento de percusión tocando. Esto agrega un condimento muy mexicano a la pieza ya-festivo. Esta misma textura aparece de nuevo unos dos minutos más tarde, esta vez con la melodía F, si bemol, C, D, B-plana.   La textura pasa a tener un G sobre D especie de tonalidad con las cuerdas de ir (D, G, D, G, D, G, E, C, E, C, D, G...). Mientras que esta melodía está pasando, muchos de los otros instrumentos de la orquesta toman en un D tonalidad menor bastante oscuro y búsqueda. Como la textura sigue tomando modulaciones cambiantes, una melodía (ejemplo: E, A, C #, C #, C #, D, C #, D, E, E) está presente en diferentes formas.   A continuación, el segundo gran motivo melódico regresa, esta vez en La mayor. En los últimos segundos, la síncopa se detiene y un marco melancolía disonante pero hermosa toma forma para atar en la siguiente pieza y en períodos posteriores de su carrera musical.