El héroe anónimo de la música dance

Un golpe de ritmo pulsante y trillado atmosférico de cuerda estableció la escena de la charla distinta y sexy que abre el éxito 1976 de Jean Marc Cerrone "Love in C Minor". Siempre buscando ser el campo izquierdo de la "norma", Cerrone, Músico y productor que estaba fuera de contacto con las tendencias de la música estadounidense, inconscientemente incorporó la técnica de "hablar" o "charla de fondo" que Marvin Gaye trajo al mundo en 1971 con What's Going On; Aunque la versión de Cerrone de esto era overtly sexualized, en la manera típica del disco de los años 70. Cerrone infame dio a los vocalistas suficiente champán en el estudio hasta que gritaron "¡Oh Cerrone!" Como se oye en "Love in C Minor". El uso de vocalistas femeninas desconocidas, esbozado en este aspecto de la canción, es clave para su estética y Le da más poder como la prolífica "estrella" de sus esfuerzos musicales, mientras que sus contemporáneos como Giorgio Moroder tenían cantantes populares como Donna Summer para retroceder. Su sofisticado enfoque de disco lo llevó a llenar un papel único en la escena de baile de finales de los años 70 en Europa y América, mientras que su enfoque poco convencional a la composición de canciones tradicionales le llevó a empujar el género de disco y las técnicas pioneras de producción de baile que siguen siendo clave Al género actual.

Como un niño inquieto, Marc Cerrone creció con tambores como una salida para su energía, lo que le llevó a comenzar su carrera musical después de mudarse a St. Tropez en su adolescencia. Aquí, estaba jugando en locales locales y clubes con su disco original / equipo de funk, Kongas. La importancia de Cerrone como un productor comienza realmente aquí, antes de su gran descanso como artista en solitario, con la producción de su pista "Africanism." Lanzado en 1977, Cerrone probó "Gimme Some Loving" de Steve Winwood, para hacer los cuernos y el Venció al "africanismo", que se convirtió en un golpe de culto. (Cerrone, A Documentary, Pitchfork, 2015). En ese momento, explica ahora, simplemente lo vio combinando una canción con otra, al mismo tiempo que estaba muy consciente de atribuirle crédito al músico original. En realidad, él estaba realmente probando, antes de que fuera una técnica comúnmente adoptada.

Después de ver el éxito con el "Africanismo", Cerrone dejó las Kongas. Este cambio no sólo fue la decisión más importante en su carrera, sino que define el personaje de Cerrone tan perfectamente. Como Cerrone recuerda en el documental de Pitchfork "Cerrone", dejó Kongas porque se aburría de la estructura pop que la banda perseguía, y buscó hacer, como él lo llama, "por ahí" música por su cuenta. Aquí, vemos al personaje de Cerrone como alguien que no sólo no persigue el estrellato del pop, sino más bien un sueño mucho más noble de crear verdaderamente algo nuevo con el formato de discoteca, así como un artista que perseverante en lograr este objetivo - Él puede hacerlo él mismo, y lo hizo. Su éxito más grande de todos los tiempos, el 1977 "Supernature", que es aclamado como su obra magna y vendió más de 8 millones de copias, fue auto-lanzado. Originalmente, ninguna etiqueta tomaba sus pistas, y una vez que él era una gran estrella, las etiquetas no querían lanzar temas como "Supernature" debido a la falta de estructura de la canción convencional. Eso no le impidió, sin embargo, hacerse cargo de encontrar a los fabricantes para presionar los discos y entregarlos personalmente a las estanterías de las tiendas de discos de DJ amigas de Francia. Esta dinámica tensa con etiquetas, sin embargo, también jugó más en su estética kitsch iconically. Debido a que estaba liberando de forma independiente, Cerrone tuvo que usar las portadas de sus discos como una forma de destacarse en las estanterías de las tiendas de discos, lo que resultó en el uso de objetos impactantes en muchas fotos, como hombres con máscaras de animales espeluznantes, Cerrone 3 - Supernature, y el uso temprano de mujeres desnudas seductoramente extendido sobre portadas de álbumes como "Love In C Minor", una tendencia que se mantuvo como una parte integral de su álbum cubre hasta los tiempos modernos con el lanzamiento de The Best of Cerrone Productions 2014). Sin embargo, el hilo común entre todas estas capas, es que tenían Cerrone como el punto focal, en su camisa desabrochada y 70 euros cortado, rodeado por, y extrañamente apropiado con estas escenas fotográficas poco convencionales ya menudo sexual.

Parece que hay algo más que su estructura de canción de larga duración que parecía "demasiado adelantada" para que las etiquetas de los últimos años 70 adoptaran sonoramente. El tambor de Cerrone era "como un motivo del mundo vanguardista, o una idea loca de un zumbido palpitante y rítmico ... escuchar su primer gran éxito internacional," Love in C Minor ", ciertamente demuestra que Cerrone podía mantener el ritmo Kick drum loud, up-front e infecciosos "(Cerrone: The Disco King de Avant-Garde Sleaze, DM Collins, 2016). La mayoría de la música de baile de hoy se basa en este tropo musical increíblemente simple. Algunos pueden argumentar que fue popularizado por los artistas de la década de 1970 en los Estados Unidos, como Chic and Earth Wind & Fire, o el abuelo de Disco, Giorgio Moroder. La popularización temprana del ritmo puede incluso ser rastreado antes de estas bandas populares a las canciones del proto-disco como "TSOP de MFSB (el sonido de Philadelphia)" por ejemplo. Pero nadie acentuó el tambor de patada más que el playboy de Francia. Sus producciones pusieron tanto énfasis en el sonido del tambor que Ahmet Ertegun y la tripulación en el Atlántico lo vieron como cacofónico para las cartas de pop y danza de la época en América, lo que llevó a la explicación explicada cuando llegó el momento de lanzar "Supernature "Ningún otro artista acentuó los tambores lo suficiente como para que les costara su lanzamiento a través de una importante etiqueta, demostrando que Cerrone fue el verdadero pionero y popularizador de este sonido que todavía se escucha en los discos de pop y danza de hoy. Banda hoy que adoptó el estilo de Cerrone de poner los tambores en la vanguardia de la mezcla, casi como para dominar el resto de la pista y poner al oyente en un estado de trance-like, una pista como "Freak Out / Starry Eyes" en 45: 33 viene a la mente, que también adopta la elongación excesiva de Cerrone de la estructura de la canción; "Freak Out / Starry Eyes" tiene 12 minutos de duración, aún no supera los 14 minutos de Cerrone "Love in C Minor".

La raíz de sus tambores acentuados se puede remontar todo el camino de vuelta a sus comienzos en St. Tropez. El prolífico productor de música francesa, Eddie Barclay, fue el primero en darse cuenta de sus habilidades de batería. Barclay estaba tan impresionado que lo firmó a él ya su banda, los Kongas, a su sello. Siendo el que atrajo la atención de su banda debido a su batería, Cerrone comenzó a construir una gran confianza en su sonido de batería único que más tarde se convirtió en la batería que escuchamos en su trabajo en solitario. Su historia sólo se vuelve más encantadora, ya que después de salir de los Kongas, auto-lanzó su trabajo en solitario, que eventualmente hizo su camino todo el camino a través del estanque a los EE.UU. a la tierra en manos de DJ's en Nueva York, C Minor "en la popularidad, llegando finalmente a las listas de EE.UU., alcanzando el puesto # 3 y la venta de más de 3 millones de copias. Las etiquetas americanas comenzaron la búsqueda del hombre misterioso que creaba estas bandas sonoras atmosféricas, pero porque Cerrone manufacturó su vinilo en el Reino Unido, todas las etiquetas buscaban los clubs de Londres para cualquier muestra de Cerrone, que era desconocido en ese entonces en Londres . Mientras tanto, Cerrone estaba en Francia, comprobando constantemente cuántas copias de su disco vendía en tiendas locales, con un promedio de 20 por semana. Cuando algunos amigos regresaron de un viaje a Nueva York, le informaron a Cerrone que era enorme en Estados Unidos. Se encontraba en el próximo vuelo a Disco-utopía, también conocido como Manhattan a finales de los años 70, y se encontró con los brazos abiertos. Como el go-getter que era, fue directamente a la oficina de Atlantic Record y terminó la reunión con Ahmet Ertegun, resultando en su firma a Atlántico. Apareció en el American Bandstand de Dick Clark en 1977 y fue lanzado instantáneamente a la próspera discoteca de Nueva York centrada en Studio 54, donde se conoció y fue elogiada por grandes nombres en arte como Andy Warhol, Grace Jones y Jean Paul Gaultier entre otros socialites de Nueva York . Por algunos momentos al menos, el carácter ingenuamente misterioso e ingenuamente cerrado de Cerrone tomó por sorpresa a Estados Unidos; "Estoy muy contento de estar aquí contigo", lee un periódico en inglés quebrantado después de su aparición en American Bandstand, a los aplausos de las niñas americanas que fetichizan el acento europeo, no muy diferente de las primeras actuaciones televisivas de los Beatles.

Aunque '77 y '78 fueron el pico de popularidad de Cerrone, su perseverancia en estar en la industria y el esfuerzo continuo para seguir creando nuevos paisajes sonoros lo mantuvo en un lugar cómodo. Por no mencionar los interminables cheques de regalías que acompañaron el ascenso de la casa y el francés NuDisco en los años 90, encabezados por Daft Punk y sus contemporáneos, que notoriamente muestra muchos registros Cerrone y rompe, llevando a un renacimiento de sus elogios en una nueva generación. "Somos los dos músicos más probados, Nile Rodgers por su guitarra, y yo por mi forma de tocar la batería" cuenta Cerrone. (Cerrone, A Documentary, Pitchfork, 2015.)

Con todo dicho y hecho, sin embargo, Cerrone todavía tiene este sentido del misterio unido a él - especialmente hoy. No es un nombre familiar como Giorgio, o CHIC, y que a menudo se pasa por alto como una figura importante en la historia de la música de baile. Parte de esto proviene de su origen francés. Aunque su máxima popularidad fue en Estados Unidos, su barrera idiomática y su ineludible perspectiva no convencional sobre la vida y la música, así como su capacidad obstinada (aunque fructífera) de tomar las cosas en sus propias manos, significa que nunca iba a integrarse plenamente en La industria de la música popular estadounidense, y tiene más de un "culto" estado de hoy para aquellos que saben mucho sobre Disco y música de baile. A pesar de esto, él todavía pasa su tiempo que juega música viva, recorriendo sobre todo Europa como mitad de la percusión / medio DJ'ing acto vivo. En realidad, tuvo una serie de lanzamientos alrededor de 2006, mostrando un estilo de producción más moderno inclinado hacia una estética electrónica NuDisco / sample-based en el estilo de colaborador cercano de sus últimos años, Dmitri From Paris, en lanzamientos como Orange Mechanique en 2006, O Celebre! En 2008. Estos lanzamientos, sin embargo, nunca se engancharon debido a un mercado altamente competitivo en este sonido, con nuevos artistas como Justice, Breakbot y Dmitri From Paris mismo, trayendo un sonido más fresco e interesante a la mesa.

El período más exitoso e influyente de Cerrone sigue siendo el de finales de los 70's. Los rastros de su influencia se pueden oír todo a través de la música moderna de la danza - e incluso estiramiento en salto de la cadera. Una ruptura de tambor de "Rocket In The Pocket" de Cerrone fue tomada por los primeros DJs de hip hop y probada en varios discos, incluyendo Gotta Rock de The Treacherous Three, lanzado en Sugar Hill en 1985, por ejemplo. Sin embargo, todavía no escuchamos su nombre de la misma manera que escuchamos a otros artistas influyentes de la historia de la música de baile. A pesar de que parece injusto que no esté recibiendo crédito en los créditos, el documental reciente de Pitchfork sobre Cerrone nos muestra a un músico de contenido en sus últimos años, recordando una carrera de ensueño que se está haciendo realidad: "Saber de dónde vengo y tener Duró tanto tiempo ... Es un regalo de la vida "(Cerrone, A Documentary, Pitchfork, 2015) dice con una sonrisa contenta, pero consciente, casi como si supiera algo que no sabemos.